Beitrag von Fondation Beyeler

Wenn Künstler*innen die Rahmen für ihre Werke selbst gestalten, wird besonders offensichtlich, was ein Rahmen mit der Kunst macht, wie berührend eine Einheit von Bild und Rahmen sein kann - so wie z.B. bei Günter Fruhtrunks Kunst. Wie sich die eindeutige Zugehörigkeit anfühlt, habe ich in meinem aktuellen Artikel beschrieben. Und schaut Euch unbedingt die aktuelle Ausstellung in der Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München an!

Afrikanisches Wandobjekt "The Mandrill" von UMASQU, Handgefertigt und -bemalt: Afrikanisches Wandobjekt "The Mandrill" Handbemalte, dekorative Maske bestehend aus einem Mix verschiedener Materialien wie Furnier, MDF und diversen Kunststoffen. Da dieses Objekt in Handarbeit gefertigt wurde, sind leichte Abweichungen ein Qualitätsmerkmal. Format 50 x 27 cm (H/B). Mit Aufhängevorrichtung. Stilrichtung: Moderne Kunst Motiv: Afrika, Tiere, Ethno #InteriorampDeko

Ihre Werke sind nicht nur visuell beeindruckend, sondern auch technisch anspruchsvoll, da sie die Interaktion von Licht, Farbe und Materie erforschen. 

Welche ist die wichtigste Farbe? Weiss! Es ist nicht nur in den meisten Konzepten die Farbe mit der höchsten Präsenz, sondern auch der gestalterische Hebel, der am meisten unterschätzt wird. Wussten Sie, dass: 1. Weiss nicht neutral wirken kann, nicht einmal weisses Licht kann das. 2. Weiss die sichtbarste Farbe ist. Im Bild, zum Beispiel, überstrahlen die Räume die Kunst, das ist kein gutes Ausstellungskonzept (Bild Shutterstock). 3. Ganz in Weiss gehaltene Räume für die Wahrnehmung ebenso anstrengend sind, wie zu laute Räume? Sie finden mehr zum Thema im Blogbeitrag https://lnkd.in/eRvuMpKj

Integrale Glaskunst visualisiert Farben im Licht und in aller Stille beginnt sich ein Dialog zwischen dem Sehenden oder der Seherin zu entwickeln... https://lnkd.in/e-VBmV9a

Da ich immer wieder von Architekten zum Thema „Materialehrlichkeit" gefragt werde, habe ich eine Antwort für alle Zweifler in Form eines Essays geschrieben: Architektur ist Illusion. Sie formt die Welt, wie wir sie erleben, und gibt hochkomplexen technischen Strukturen eine Form, die uns dient, inspiriert und manchmal sogar verzaubert. Doch gerade diese Verwandlung der technischen Realität in eine sinnliche Erfahrung wirft Fragen nach Ehrlichkeit und Authentizität auf – besonders, wenn es um Farbe und Material geht. Weiß, Grau und Schwarz werden oft als „authentisch“ empfunden, während Buntfarben zu „Dekor“ degradiert werden. Doch ist diese Sichtweise wirklich so wahrhaftig, wie sie erscheint? Die weiße Moderne und ihre Illusionen Weiß – die Symbolfarbe der Moderne. Für Architekten wie Le Corbusier, Walter Gropius oder Mies van der Rohe wurde es zur Quintessenz der Schlichtheit und Reinheit. Es war ein Manifest gegen den „Ornament als Verbrechen“, wie Adolf Loos es 1908 formulierte. Doch diese Wahl war keineswegs neutral. Vielmehr trug sie religiöse, kulturelle und sogar illusionistische Züge. Adolf Loos sprach von den „weißen Mauern Zions“, einer Referenz, die Architektur beinahe heiligte. Die Moderne machte sich auch die vermeintlich weiße Antike zum Vorbild – ein Missverständnis, denn antike Tempel waren bunt bemalt. Das einheitliche Weiß der Moderne stellt eine Illusion dar: Es suggeriert eine Ehrlichkeit und Einfachheit, die es oft nicht gibt. Die weißen Mauern der Kykladen oder des Mittelmeerraums, die so oft als Inspiration dienen, sind ebenfalls eine Illusion – sie passen in ein Klima mit heißen Sommern und gleißendem Sonnenlicht, nicht jedoch in Regionen mit kalten Wintern und grauen Herbsttagen. Ihre Haptik und Farbgebung resultieren aus einer spezifischen Notwendigkeit, nicht aus einer universellen Wahrheit. Farbe als Dimension der Wahrnehmung Farben – und damit auch die Materialwahl – sind weit mehr als nur dekorative Hülle. Sie schaffen Atmosphären, beeinflussen Stimmungen und können Räume öffnen, wo keine Fenster sind. In der Gesundheits- und Pflegearchitektur etwa ist Farbe keine Nebensächlichkeit, sondern essenziell für das Wohlbefinden von Patienten und Personal. Dunkle Flure und kahle Wände entfremden, während Bildmotive und warme Farbtöne Geborgenheit und Identität schaffen. Selbst Materialien, die auf den ersten Blick „unehrlich“ wirken – wie Holzoptiken auf PVC – haben ihre Berechtigung, wenn sie funktionale Anforderungen mit sinnlichen Bedürfnissen verbinden. Ein Holzdekor kann natürliche Wärme vermitteln, wo echter Holzboden aus Kosten- oder Pflegegründen nicht infrage kommt. Die Illusion ist hier kein Betrug, sondern ein Dienst am Nutzer. Studien belegen, dass Menschen sich in farblich und gestalterisch durchdachten Räumen wohler fühlen. Warum sollten wir darauf verzichten? Den vollständigen Text finden Sie unter: https://lnkd.in/d7MY785n

Bärbel Baumgartner: Das Spiel der Mustern und ihre Farbresonanzen Die Kunst des Handwebens: Vielfalt in Form, Struktur und Farbnauencen. Diese Handwebkunst ist eine jahrhundertealte Tradition, die nicht nur ein Handwerk, sondern auch eine Form der kreativen Ausdrucksweise darstellt. In dieser Ausstellung, Bärbel Baumgartner werden eine Kunstform der Textilweben mit viel Geduld und Leidenschaft auf traditionellen Webstühlen hergestellt, wobei die Wechselwirkungen von Struktur und Farbe eine zentrale Rolle spielen. Die besonderen Textilien, die durch das Handweben Bärbel’s entstehen, zeichnen sich durch ihre einzigartige Haptik, Farben, Materialien und Ausstrahlung aus. Die Verwendung verschiedener Garne – von feinem Baumwollgarn bis hin zu luxuriösem Seidenfäden – ermöglicht es den Kunsthandwerkerin, atemberaubende Muster und lebendige Farbpaletten zu erschaffen. Weberinnen und Weber experimentieren oft mit Techniken wie mehrfache Schichten- oder Gobelintechnik, um komplexe Designs zu realisieren. Diese Kombination aus Kreativität und handwerklichem Können resultiert in zeitlosen Stücke, die sowohl funktional als auch dekorativ sind. Bei Bärbel’s Arbeiten ist besonders hervorzuheben sind Textilien mit strukturierter Oberflächen, die durch verschiedene Webtechniken entstehen und Licht auf innovative Weise reflektieren. Diese Stoffe bringen nicht nur Farbe ins Zuhause, sondern erzählen auch Geschichten von Tradition und individueller Schaffenskraft – ein wahres Fest für die Sinne. Handgewebte Textil-Kunst lebt von der Vielfalt und der Passion, die in jedem Stück steckt, und bereichert unseren Alltag auf einzigartige Weise.

Liebesskulptur "Küss mich" (2022) von Dagmar Vogt: Skulptur "Küss mich" (2022) Skulptur aus Bronze, 2022. Auflage: 18 Exemplare, nummeriert und signiert. Höhe: 41 cm. Breite: 10 cm. Tiefe: 10 cm. Stilrichtung(en): * Abstrakter Expressionismus * Moderne Kunst #Skulpturen

Auf der einen Seite verteufelt, auf der anderen gefeiert. Da gab es diesen grauen Autobahntunnel, den ich immer wieder passierte. Einen von den Zigtausenden. Dunkel, trist, ungemütlich. Hauptsache schnell vorbei und weiterfahren. Bis eines Tages, statt grauer, monotoner Wände mir rechts und links eine regelrechte Farbexplosion entgegensprang. Aha, die Graffiti-Künstler haben diese Stelle entdeckt. Neben typischen Erstversuchen mit der Sprühdose gesellten sich schnell richtige Kunstwerke dazu, sodass ich jedes Mal beim Vorbeifahren etwas Neues entdecken konnte. Doch dann wurden plötzlich alle Graffitis mit grauer Farbe übermalt, und zwar so, dass man ganz genau sehen konnte, wo die Rolle angesetzt wurde. Nein, schön sah es nicht aus, und ordentlich gemalert war es auch nicht. Da stellte ich mir die Fragen: ❓Ist ein Tunnel mit grauen Flecken besser als ein schönes Graffiti? ❓Wo hört Vandalismus auf und wo beginnt die Kunst? ❓Hätte ein Star Street-Art Künstler wie z.B. #Banksy den Tunnel "verschandelt", würde man seine Arbeit übermalen oder die Stelle abtragen und ins Museum stellen? Streetart - die Kunst, die mit am meisten polarisiert. Die Tags, Graffitis, Sticker, Stencils oder Murals werden entweder entfernt oder gefeiert. 👉🏻 Tipp: Wer von euch Interesse hat, sich die Kölner Streetart-Szene etwas genauer anzuschauen, kann z.B. eine spezielle Führung buchen, wie z.B. #StreetArtToursCGN (colognestreetart.com) oder #AlternativeCologneTours (https://lnkd.in/ezH_rMeR) Wie seht ihr das Thema Streetart: Ist es Kunst, oder soll es weg? Freue mich über eure Meinung zu diesem Thema! Let´s GOsia 💫 P.S. Ein Spraydosen-Emoji gibt´s leider nicht im Emoji-Repertoire 🤷🏻♀️   #Design #StreetArt #CreativeInspiration

2018: Wussten Sie, dass schon 100 Jahre vor der klassischen Moderne, Blauem Reiter, Fauves oder Expressionisten, an verschiedenen Orten der Welt bereits Bilder gemalt wurden, die reine Farben verwendeten und ihre Sujets stilisiert und ohne Perspektive darstellten, wie dies dann zu Beginn des 20. Jahrhunderts in der „modernen Kunst“ wiederkehrte und als neuartig empfunden wurde? Die Künstler des Blauen Reiters Kandinsky, Jawelensky, Marc, Gabriele Münther, sammelten solche Bilder in Murnau und liessen sich davon inspirieren. Hinterglasbilder wurden seitenverkehrt auf die Rückseite von Glasscheiben gemalt. Sie entstanden vorwiegend in Serien in Manufakturen. Vorlagen wurden unter das zu bemalende Glas gelegt und die Arbeit aufgeteilt: Spezialisten malten die Konturen und Details vor, andere füllten die Flächen dahinter aus. Die leuchtkräftigen, hinter die Scheiben gemalten Bilder wurden als Souvenirs an Wallfahrtsorten angeboten und zeigen hauptsächlich religiöse Motive. Übrigens: Im Gegensatz zu meiner aktuellen Sammlung von Aussenseiterkunst stehen zahlreiche Hinterglasbilder die ich zuvor über viele Jahre sammelte, aus Platzgründen, da wir in eine kleinere Wohnung gezogen sind, zum Verkauf. Einsehbar sind sie auf den Webseiten www.aussenseiterkunst.ch und www.outsider-art-brut.ch unter „zu verkaufen“ und „for sale“…